Слово Как написать голландский натюрморт - однокоренные слова и морфемный разбор слова (приставка, корень, суффикс, окончание):

Голландский натюрморт

Техника многослойной живописи

Нет такого человека, который может хладнокровно пройти мимо завораживающего и просто фантастического Голландского натюрморта, и портретов старых мастеров. С каким невероятным колористическим разнообразием передана гамма цветов. Как материалистично и живо выглядеть растительность и предметы на холсте. И конечно, главный секрет и тайна художников, передающих веками ту самую прозрачность, которая так будоражит и восхищает нас все это время. Давайте поднимем вуаль и коснемся к прекрасной технике многослойной живописи.

1 Прозрачные краски. В масляной живописи существуют множество цветов с различной кроющей способностью. Не прозрачные краски имеют свойство отражать свет, тем самым, не давая свету проникнуть внутрь слоя и осветить нижний слой (Подложку) Прозрачные краски напротив пропускают свет и дают ту самую прозрачность в живописи. (С видами прозрачных и непрозрачных красок можно ознакомится самостоятельно)

2 Лессировка Главное в многослойной живописи-Лессировка. Для того, чтобы придать живописи глубину и прозрачность, нужно следовать определенной технике письма. Когда мы сделали карандашный эскиз будущего натюрморта, или портрета, нужно преступать к подмалёвку, который здесь играет чрезвычайно важную роль, а именно тон и цвет подмалёвка. Для того, чтобы в конечном итоге живопись светилась изнутри и появилась глубина, мы должны делать монохромный подмалевок (Обычно теплыми, коричневыми и охровыми, или черно-белыми красками) и, что самое важное подмалевок должен быть светлее, чем тон, который будет в конечной картине. Монохромный подмалевок такого типа, при наложении на него «Лессировочных » (Прозрачных) красок начинает, как-бы светится под воздействием света. Это и есть главная тайна и секрет, как мастера добивались эффекта прозрачности.

3 Техника наложения после того, как мы сделали более светлый, чем в реальности монохромный подмалевок, нужно дать ему высохнуть. Каждый слой, который мы будем накладывать на холст, нуждается в хорошей просушке. Именно поэтому эта техника требует очень много времени для написания картины. Когда подмалевок полностью высох, нужно начать лессировать. Для того, чтобы сделать прозрачные краски более податливыми и прозрачными, нужно смешивать их с лаком, или маслом. После смешения и получения нужного цвета, тонким слоем краска наносится на нужный участок холста. Когда первый слой живописи окончен, нужно дать картине подсохнуть и после просушки начать покрывать картину вторым слоем лессировки. Так, поэтапно представляя какая в итоге должна получится по плотности и тону ваша картина, вы каждый раз просушивая и покрывая слой за слоем завершаете вашу работу.

4 Трудности Самое сложное в данной технике, с самого начала представлять готовый результат и понимать на сколько светлым делать подмалевок и слои лессировки, которые с каждым наложением все больше и больше делают плотнее по тону вашу работу. Также нужно понимать, что мы создаем глубину, как будто вы смотрите на дно реки, где через толщу воды просвечивает каменистое дно. Поэтому наше сознание должно работать в направлении того, что нужно начинать строить изображение с «Каменистого дна» и уже на него мы накладываем слои «Воды»

Каждый слой в той, или иной мере будет влиять на колористический и тональный строй всех слоев, поэтому нужно заранее продумывать какой свет и цвет будет наиболее выгодно и гармонично смотреться на изображении. И конечно такой стиль в живописи занимает уйму времени, т. к. краска (Если вы смешиваете ее с маслом) долго сохнет, а техника требует с каждым слоем сухой поверхности.

Безусловно, данный вид живописи требует определенного технического мастерства и некой художественной зрелости. Но, абсолютно точно можно сказать, что это чарующее, рискну сказать волшебное действо, когда художник создает глубину на плоском холсте, есть мощнейшее средство для получения воистину невероятных творений.

Источник

Как написать голландский натюрморт

Не буду повторять теорию – о ней замечательно написано в статье Юрия Алексеева-Алюрпи в теме “живопись маслом”

Покажу учебный голландский натюрморт, который мы писали с начинающими, по стадиям.

Он достаточно простенький по композиции, поэтому на нем легко начинать обучение технике голландского письма.

Вот исходный натюрморт – фотография фотохудожника. К сожалению, имя автора не сохранилось.

Живопись маслом: стадия 1 – подмалевок

Задача подмалевка – создать объем предметов натюрморта и задать цвет теней.
Голландские мастера писали свои работы при естественном комнатном освещении, поэтому освещенные части предметов имеют холодный оттенок света от окна, а тени – теплый.

В подмалевке работа ведется прозрачными красками коричневых цветов. В моем случае это – умбра жженая. Она хорошо подходит для красноватого колорита этого натюрморта. В случаях, когда фон натюрморта более светлый, и преобладают охристые цвета, можно использовать умбру натуральную.

Изначально для работы над подмалевком использовались водорастворимые краски: акварель, темпера. Позже начали и подмалевок выполнять маслом. Использование масляных красок делает подмалевок еще более глубоким, лаковым.

Однако такую работу сложно выполнить за один сеанс, чтобы достичь всех нюансов светлоты оттенка. Используя масло, приходится набирать темные участки и тонкие переходы к ним в несколько этапов, давай просохнуть каждому слою.

Естественно, что сейчас не каждый автор может себе позволить такую длительную работу. А современная темпера не столь прозрачна.

Я нашла хороший выход из ситуации. Подмалевок можно выполнять акрилом. Это аналог темперных красок – они прозрачны при нанесении на них лака, быстро сохнут и дают более тонкие нюансы тона.

Особенно легко и приятно писать в голландской манере стекло. В подмалевке можно просто прописать фон за стеклянной поверхностью. Само стекло возникнет позже.

В результате работы над подмалевком вы должны видеть версию вашей законченной работы в стиле старого фото – намечен объем и тонкие переходы в тенях. Свет и полутени на предметах могут оставаться не тронуты. Они появятся на следующей стадии.

После просыхания акриловых красок я покрыла слой ретушным лаком. В результате слой приобрел глубину и прозрачность.

Ретушный лак также хорошо связывает слои между собой, поэтому, даже если вы работаете маслом, я рекомендую это делать. Но только ретушным. Остальные лаки здесь применять нельзя.

Живопись маслом: стадия 2 – корпусное письмо

Задача этой стадии – придать корпусности, т.е. непрозрачности и плотности освещенным участкам натюрморта. Также здесь можно набрать объем рельефа изображения, чтобы показать фактуру отдельных поверхностей.

Так, вы можете густо положить краски на поверхности апельсина и “почпокать” поверхность, чтобы она приобрела шершавость, создать рельефный рисунок чеканки на металлических предметах или соткать объемное кружево салфетки.
На моем натюрморте такой рельеф был сделан на ручке ножа.

Стадия корпусного письма различна в разных традициях. Некоторые художники работают здесь только чистыми белилами, а цвет набирают в третьей стадии. Большинство вводит цвет уже во второй.

Я начала с оттенков красного.

Прописываем освещенные части яблок, начиная с яркого блика чистыми белилами, постепенно сводя слой на нет к теневой части. Делаем корректное касание корпусного слоя и тени в подмалевке.

Если предполагается очень тонкая нюансировка (например, тело человека, виноград и пр.), можно растушевать край между белильным цветом и подмалевком пальцем.

Еще раз обращаю внимание, что в тени предметов заходить непрозрачными смесями с белилами уже нельзя! Я лишь оттенила розовым край яблока, в зоне рефлекса.

Продолжаем работу цветом на остальных объектах натюрморта. Посмотрите как легко возникает стеклянная поверхность стакана поверх фона. Нужно прописать яркие блики и светящиеся грани стекла.

В результате к финалу этой стадии картина выглядит так:

Живопись маслом: стадия 3 – лессировки

Именно в лессировках достигаются все тонкие нюансы цвета.

Живопись становится лаковой. Мы видим ту характерную особенность голландской манеры письма – цвета как будто проступают из-под глубокой воды.

Лессировки могут выполняться в несколько слоев. С каждым лаковым слоем они будут придавать все больше и больше глубины.

В подмалевках не только уточняется цвет всех объектов, но и придается общая цельность композиции – все второстепенные детали списываются, становятся темнее, отступают на дальний план.

В лессировках участвуют только прозрачные краски: охра, краплак, синяя фц, зеленая фц, виридоновая зеленая, умбры, марс коричневый, сиена; а так же в малых дозах полупрозрачные: лимонная, кадмий желтый, кадмий красный, киноварь, ультрамарин.

Для разведения красок я использовала смесь лаков ретушного и пихтового с льняным маслом в равном соотношении.

На стадии лессировок я прошла по всей поверхности картины, прописывая более тонкие нюансы цвета.

Эта стадия живописи похожа на многослойную живопись в акварели – изменение цвета получается за счет оптического смешения цветов. Нижний слой просвечивает через верхний, и верхний изменяет оттенок нижних.

Вот как теперь выглядит стакан:

Яркие блики пригашены, форма собралась и стала реалистичной.

Проявились детали на всех предметах. Например, на ноже стал виден узор гравировки. Лессировки попали вглубь канавок рельефа на белилах и создали тени внутри металла, блики же – высокие части рельефа остались светлыми.

На этом картина была завершена. Через год после написания ее можно покрыть слоем лака, чтобы придать большей глубины и теплоты цвета.

Делитесь мастер-классом, если он был вам полезен и интересен!

Источник

Мастер класс. Голландский натюрморт с цветами

Поэтапность работы над натюрмортом

Натюрморт выполняется в течении 1.5-2 месяца в зависимости от размера.

Здесь представлены основные стадии написания голландского натюрморта, выполненного на холсте маслом 70х90см. Если Вам интересно более подробное представление о том как писался этот натюрморт и как добиться того, чтобы натюрморт выглядел как, как во времена расцвета этого жанра-Вам просто необходимо скачать полный мастер класс «Цветы и фрукты».

Все натюрморты выполняются в «стиле старых мастеров» с соблюдением всех традиций и технологий, которыми пользовались живописцы 17-18 веков и не являются точной копией какой-то определенной картины, а являются самостоятельнымы произведениями искусства, выполненные в единственном, эксклюзивном варианте.

Основные стадии мастер класса Голландского натюрморта с цветами

Знаменитый фламандский и французский живописец Ян Ван Хейсум, мастер цветочного натюрморта. Родился в Антверпене. С 1776 обучался в Антверпенской АХ. В 1786 переехал в Париж, где начал писать натюрморты с цветами и плодами. Произведения художника очень быстро обрели известность и признание. В 1793 – 1833 был постоянным участником парижских салонов, экспонировал работы на выставках в Антверпене, Гааге, Генте и Брюсселе. Был членом Антверпенской и Амстердамской АХ. Покровителями и заказчиками мастера в разное время были Жозефина Богарне, Мария-Луиза Бонапарт, Людовик XVIII и Карл X. В творчестве переплелись традиции фламандского цветочного натюрморта и французской живописи. Занимался литографией. Писал также пейзажи, религиозные и аллегорические картины. Работы хранятся в Лувре, Музее Бойманса-ван Бёнингена в Роттердаме, Музее искусства и древностей Кембриджского университета, ХМ Руана, Лиона, Лилля, Гренобля и др.

Долгое время в иерархии живописных жанров натюрморт занимал последнее место. Даже в середине XVII века, когда в Голландии и Фландрии натюрморт находился на пике своего расцвета, французский теоретик искусства Андре Фелибьен продолжал утверждать, что «тот, кто изрядно пишет пейзажи, стоит выше пишущего единственно фрукты, цветы и раковины», а «тот, кто пишет живых животных, ценится больше, чем рисующие лишь мертвые и неподвижные вещи». Таким образом, голландский натюрморт оказывался в самом конце списка жанров, который возглавлял безусловный лидер — историческая живопись, затем шли портрет, жанровые сцены и пейзаж. Объяснение подобной несправедливости таится в самом названии жанра — «натюрморт» в переводе с французского означает «мертвая природа». Считалось, что изобразить набор красиво расставленных неподвижных вещей гораздо легче, чем придумать волнующую композицию на историческую тему или запечатлеть образ человека в портрете. Эта точка зрения, свойственная академическому искусству, не выдержала проверки временем: в XVIII веке французский писатель Дени Дидро выказывал свое восхищение натюрмортами Шардена в самой восторженной форме: «Как четки массы! Как одни предметы отражаются в других! Не знаешь, в чем именно кроется очарование, ибо оно разлито повсюду. ».

Название «натюрморт» (от фр. «nature morte» — «мертвая натура») появилось во Франции в начале XIX века, именно во французском варианте оно получило распространение в русской традиции. Принятый в Голландии термин «Stilleven» появился гораздо раньше, еще в 1650 году. Он имеет несколько иное значение и переводится как «неподвижная (тихая) жизнь». В такой трактовке термин «прижился» в немецкой («Stillleben») и английской («Still life») традиции. Определение «тихая жизнь» как нельзя лучше характеризует работы голландских мастеров XVII века. Хотя первые натюрморты в «чистом виде» появились в Италии, именно голландцы смогли придать этому жанру размах большого искусства. Натюрморты голландских мастеров отличаются красивой компоновкой предметов, изысканным колоритом и умением преподнести каждую вещь в наилучшем свете. Мягкое рассеянное освещение, сдержанные и изысканные цвета, разнообразие фактур выбранных вещей (серебро, перламутр, фаянс, шелк, бархат), отсутствие какого бы то ни было драматизма в подаче предмета — все эти особенности делают голландский натюрморт в нашим восприятии очень поэтичным. Это подлинная поэзия повседневности — изысканная и немного высокопарная.

Натюрморт в Голландии XVII века оказался жанром востребованным и популярным, поэтому очень скоро в большом потоке работ выделяются различные типы картин — цветы, «накрытые столы», кухни, «завтраки», ¦ десерты», ванитас и т. д. Складывается впечатление, что голландские художники вняли словам великого Леонардонардо да Винчи, который говорил о том, что «живописи не должен пытаться быть универсальным, так как он много теряет в достоинстве от того, что одну вещь делает хорошо, а другую плохо. ». У голландцев специализация была также обусловлена и географией: «. в разных городах ыли свои излюбленные виды натюрморта, и если живописцу случалось переехать в другой город, он часто резко пенял свое искусство и начинал писать тс разновидности канра, что были популярны в этом месте» (Н. Маркова). Не все типы голландского натюрморта возникли одноременно. Раньше всего начали писать рыночные сцены Питер Артсен), затем появились кухни (Иоахим Беке-:ар) и ранний цветочный натюрморт (Аброзиус Босхарт Старший), далее «накрытые столы» (Флорис Гсрритс ван Схотен, Флорис ван Дейк), «завтраки» (Питер Клас, Вилам Клас Хода), десерты (Абрахам ван Бейерен, Виллем Калф), «суета сует» (Якоб де Гейн Младший) и, наконец, ¦ роскошные» цветочные натюрморты (Ян Давиде де Хем, Абрахам ван Хёйсум).

Источник