“КА-БУМ!”: основы написания сценария комикса
Не думали написать графический роман?
Не нарисовать, а написать сценарий. Ведь графическим романам и комиксам тоже нужны отличные писатели. Люди, которые ни разу их не читали, обычно думают, что рисованные истории не нуждаются в проработанном и продуманном сюжете, как серьезный роман, а любые недостатки повествования легко можно исправить красочными иллюстрациями. Это ошибка. Без цельного, крепкого сценария комикс превращается в яркую и бессмысленную мешанину рисунков.
Я предлагаю вам набор основополагающих принципов, на случай, если вы решите писать сценарий к графическому роману:
Вы и ваша аудитория
В наши дни графические романы создаются для людей от 16 до 35 лет. Это настолько широкий диапазон, что калейдоскоп вариаций сюжетов и тем, кажется, не имеет предела. Это не только супергерои. Ваш протагонист может быть, чем угодно от говорящей робо-собаки («We3» Гранта Моррисона) до самой обычной девочки (как в «Персеполис»). Они могут жить, когда угодно, в любом месте, эпохе или измерении. Так что не ждите, что вам придется писать пародию на Супермена. Сюжет может быть историческим, юмористическим или биографическим. Не бойтесь спустить с поводка свое воображение, главное не забывать, что вы создаете такое же произведение, как и любое другое, а значит ваша главная задача – увлечь читателя. Рецепт всегда один – цельная структура, хорошие диалоги, харизматичные персонажи.
Структура
В любой статье о написании сценариев для комиксов вам скажут, что это не похоже на написание рассказа или романа. Так и есть. Но пожалуйста, не пугайтесь, даже если вы никогда не работали с чем-то помимо привычных абзацев. По структуре это похоже на сценарий к фильму, просто более подробный, со словами автора, описанием событий и даже звуков, то есть абсолютно всего, что происходит в каждой панели на странице. (Кстати, нет ничего веселее, чем сочинять свои собственные звуки)
Здесь нечего бояться. Каждая панель (рисунок на странице) пронумерована, а к ней прилагается реплики персонажей и описание происходящего. Познакомьтесь с основами структуры, это невероятно просто. После того как вы настрочите первые несколько страниц, проблем уже не будет, вы очень быстро привыкнете к новой форме.
Отдельно от сценария вы обязательно должны прописать синопсис, включающий все детали сюжета, также, как и короткие биографические описания основных персонажей. Хотя это больше делается для вас, чтобы вы лучше понимали историю и своих персонажей. Если вы уже писали рассказы или романы, то всё это вам и так знакомом.
Чтение
Как любому писателю приходится много читать для шлифовки собственного стиля и расширения кругозора, вам предстоит прочесть не одну тонну комиксов и графических романов. Ура! Даже лучше, у вас есть из чего выбирать. Как я уже говорил ранее, этот жанр не зациклен на плащах и лосинах, так что не стоит ограничивать себя Бэтменом и Суперменом. Если душа требует разнообразия, то прочтите ‘All Star Superman‘, ‘Watchmen‘, ‘When the Wind Blows‘, ‘The New Frontier‘ and ‘Sandman‘. Эти произведения не имеют ничего общего и похожи только в том, что уже стали классикой. Но не стоит просто читать. Учитесь. Почувствуйте, каким должен быть по-настоящему хороший комикс. В первый раз прочтите ради удовольствия, насладитесь историей, а потом вернитесь и изучите всё, как следует. Как писателю вам придется решать, сколько панелей стоит разместить на одной страничке и как это лучше всего сделать, так что не лишним будет подсмотреть, как другие авторы справляются с этой задачей – существует не меньше тысячи способов и вариантов, но не все из них срабатывают, и только несколько идеально подойдут в вашем случае. После – изучайте текст. Отмечайте для себя, как писатель использует диалоги и слова автора, как располагаются пузыри с репликами. Рассматривайте каждый элемент по отдельности, чтобы понять, что вам нравится, а что нет.
Говорить или не говорить
Не важно насколько невероятна или фантастична ваша история, диалоги все равно должны быть правдоподобными. Какая разница между диалогом и словами автора? Диалоги – всё то, что заключено в пузыри, а слова автора разбросаны в небольших рамках по панелям. Больше всего вам предстоит редактировать как раз диалоги, потому что если напортачить с ними, то книгу можно будет выбрасывать сразу даже если рисунок будет божественно прекрасен. И следите за балансом: диалоги должны увлекать и тащить сюжет вперед, но не перегружайте их, чтобы вас сюжет вдруг не прогнулся под весом сложного изложения, а отличные рисунки не перекрывались пузырями колоссальных размеров. Основное правило: чем меньше, тем лучше. Мой совет: тщательно подбирайте каждое слово.
Будут, конечно, и панели, где диалоги вам не понадобятся вовсе. Некоторые панели будут посвящены исключительно экшну, или же рисункам, которые расскажут историю без всяких пояснений. Это все-таки графический роман в конце концов. Например, вам не нужно, чтобы персонаж восклицал «Тень великого Цезаря, как же мне грустно!», если вы уже описали в сценарии боль на его лице или печаль во взгляде, а художник всё это изобразил. Это было бы пустой тратой слов, да и выглядело бы нелепо. Помимо этого, вам бы не хотелось, чтобы персонаж говорил: «Тень великого Цезаря, как же мне грустно!», попросту потому, что люди так не разговаривают.
Действия
Экшн описывается, чтобы дать художнику направление и объяснить, что же им нужно нарисовать. Но сдерживайтесь от досконального описания. Как и в случае с кино-сценарием, вам нужно лишь обозначить события: «Идет дождь. Перекресток. Они выходят из дверей лавки комиксов…» Не переусердствуйте, меньше деталей. Если цвет одежды персонажей не играет важной роли в сюжете, стоит оставить это на усмотрение художника, все-таки это его работа. Обычно одна-две страницы сценария, с описанием места, действий и диалогами, равна одной странице комикса, потому прикидывайте в уме, сколько пространства нужно, чтобы уместить все ваши фантазии, иначе художнику придется нехило вывернуться, чтобы уместить это в панелях так, чтобы страница выглядела органично, а читатель сразу понял, что здесь и куда. Помимо этого вам предстоит подобрать к действиям звуковые эффекты, что открывает для вас возможность повеселиться, придумывая словечки вроде «Плюх!», «Дэнг!» и «Крака-тум!»
«А ты чего такой серьезный?»
Вообще, веселитесь, потому что здесь нет ограничений: графический роман – пластичный жанр, открытый для экспериментов. Этот жанр обладает неповторимой красотой в том, как здесь слова и рисунки тесно смешавшись, рассказывают истории так, как не сможет повторить ни один другой жанр. Вы можете делать всё. Всё! Кино слишком примитивно, чтобы показывать, а романы не могут заставить вас увидеть. Вы можете создать синего слона, жонглирующего лунами, сделанными из сыра, или просто влюбленных, которые пьют кофе. Это один из тех жанров, где можно себя не сдерживать. Вот и не стоит.
Это основы. Еще много всего можно учить и оттачивать, но надеюсь, этого хватит, чтобы вы начали. Если вы подумываете о написании сценария к графическому роману, думаю, мои советы вам пригодятся.
Как придумать сюжет для комикса и написать сценарий
Автор: © 2003, Vanyamba (comicsСАБАКАvanyamba.com)
Оригинал: Комиксолёт// www.comics.aha.ru
Зачем нужен сценарий
В незапамятные времена человек взял в руки тетрадку, расчертил первую страницу на 12 клеток и стал рисовать комикс. Главным хорошим героем в этом комиксе был он сам, главным гадом – плохой парень из соседнего двора. Плохой был главой мафии, людоедом и наймитом инопланетян, хороший – мастером карате, умел летать, воскресать из мёртвых и вообще всех спасал.
Чем сценарий отличается от книги
В частности, для описания места действия вполне достаточно небольшой вводной фразы. Дальше идут диалоги, при необходимости дополненные комментариями:
Иванов (усмехаясь): Ты, Петров, настоящий трудоголик!
Петров (доставая пушку): Всегда готов поработать на пользу общества!
Без этих комментариев, пожалуй, было бы сложно представить эту сцену. С другой стороны, если из произносимых фраз приблизительно ясно, что там происходит, их можно не писать: оставьте и художнику простор для творчества.
Достоинства и недостатки сценария
Наиболее очевидно, что сценарий позволяет в любой момент полностью переработать и сюжет, и диалоги, ничего при этом не перерисовывая. Менее – что человеческий мозг по своему устройству больше похож на тело человека в целом, чем на какой-то другой отдельный его орган. И когда вы мыслите образами, работает одна его часть, когда придумываете диалоги – другая. Достаточно тяжело физически напрягать сразу несколько частей тела: это как если бы кто-то взялся переносить тяжести и при этом стал делать махи руками и приседания. Мозг позволяет делать подобные трюки, но при этом быстро устаёт. Использование сценария, благодаря меньшей нагрузке на мозг, позволяет не только придумать более качественные сюжет и диалоги, но и более эффектно всё это потом изобразить.
Готовый сценарий можно показать издателю, чтобы получить денег на создание комикса. Обычно издатель просит также показать несколько готовых страниц. И уж совершенно точно, что готовый сценарий хорошо поможет вам в этих переговорах.
Наконец, готовый сценарий можно продать.
Недостаток сценария в том, что он не позволяет достоверно оценить, сколько полос займёт комикс в итоге. Иногда это может быть важным. Это можно обойти, добавив в сценарий покадровое и постраничное разделение. То есть, немножко поприседав.
Когда сценарий не нужен? Сценарий, скорее всего, не понадобится, если вы рисуете короткие стрипы, не связанные между собой сюжетом. Тем не менее, какие-то советы из тех, что приведены ниже, могут вам помочь в их придумывании.
Итак, сочиняем сюжет.
Шаг 1. Место действия
Пусть вас не смущает подобный совет: характер повествования с одной стороны, достаточно сложная вещь, зависящая и от настроения, и от сюжета, а с другой стороны – вещь, достаточно сильно ограничиваемая рамками жанра: рассказывать страшилку как анекдот, конечно, можно, но это будет всё-таки анекдот, а не страшилка.
Итак, первое у вас есть, второе выбрали, остается третье. Место действия работает на идею. Оно может быть смешным, может быть страшным, может быть философским. Например, комикс о царе, сидящем на троне в пустыне – весьма философски, и сравнимо с маленьким принцем, живущим в одиночестве на планете в космосе.
Если какой-то глубокомысленной идеи нет, то исходите из атмосферы действия: замкнутое пространство вызывает клаустрофобию, а пентхауз на Манхеттене – чувство комфорта. Определение места действия – это простой приём, но о нём нередко забывают при создании серий стрипов. В результате – персонажи есть, а идей нет. Добавьте место действия, идеи обязательно появятся.
Важно, чтобы в этой атмосфере вам было комфортно сочинять, тогда процесс будет более плодотворен. Проще всего взять что-то уже виденное, то, что вам по душе. Мне лично близок кибер-панк, соответственно гораздо интереснее сочинить что-нибудь космическое, в стиле Futurama или в стиле Blade Runner.
Тут есть два пути: либо есть кто-то, кто вызывает в вас эмоциональный отклик, либо вы хотите поделиться с миром чем-то, что вас волнует. Отсюда два способа создания персонажей: это либо прообраз какого-то реального лица, либо утрированный (собирательный) образ некоего типажа, выполняющего некую функцию в сюжете.
Поэтому в фильмах герои комиксов не ведут бесед во время поединков, в то время как только в европейских комиксах они так же не болтают во время боя. Вы уверены, что стоит взять пример? Если уверены – берите, это не догма, но правило, которое важно учитывать. Например, при адаптации книги в комикс.
Литература близка кино тем, что позволяет автору описать какой-нибудь сложный нюанс длинным текстом на 10 страниц, Аналогично в кино можно две минуты показывать, как герой “ищет себя”, бродя по горам под красивую музыку. В комиксе такой возможности нет. Поэтому диалоги придётся переделывать. Придётся вводить «трёхкартинковых» персонажей, передающих важные мысли, которые по-другому не нарисуешь. В противном случае читатель окажется обманут: книгу читать уже не станет, комикс сочтёт неудачным, а произведение пустым. Полагаете, автор книги скажет вам спасибо?
Например, очень хорош для комикса персонаж инспектор Лестрейд, приемлем доктор Уотсон, Холмса нужно адаптировать. Обратите внимание, что чем удачнее экранизация, тем сильнее отличаются персонажи в кино от своих книжных прототипов.
Повторюсь, главное в персонаже – это ваш эмоциональный отклик на него. Если его нет, вам будет очень сложно с ним работать.
В целом такой подход даёт очень жизненных хороших парней, потому что в жизни нам в большей степени удается не делать зла, чем творить что-то доброе. Если же вам захочется сделать качественного доброго персонажа, отличного от весёлого хомячка, то вот несколько подсказок:
— Добрый герой соблюдает 10 заповедей, то есть не роняет своими поступками человеческое достоинство и ему присущи сострадание и верность.
— Добрый герой обязательно кого-нибудь любит, и в своих поступках движим этой любовью и стремлением к благородной цели.
— Живой добрый герой имеет человеческие недостатки, перевешиваемые, всё же, внутренним благородством. Он может быть в меру горд, в меру высокомерен, жадноват, хитроват, завистлив и т.п. Но когда приходится выбирать, своим благородным поступком он обнажает свою высокую суть. Хороший пример – Шрек.
— Добрый герой не говорит лжи, то есть он либо говорит правду, либо молчит. Это самый неочевидный, но самый важный момент. Без него недостатки персонажа не будут “в меру”, но будут только подчёркиваться ложью, которую он произносит. Причём это самый сложный момент. Например, в жизни мы привыкли шутить, дружеская шутка не считается чем-то зазорным. А между тем, фраза, сказанная в шутку, точно также, как любая другая фраза, содержит либо правду, либо ложь. Поэтому настоящий добрый герой шутит не очень много и никогда не говорит со стопроцентной уверенностью о том, чего не может знать, например, о будущем. Это очень неочевидно, но посмотрев внимательно на по-настоящему добрых персонажей, вы это заметите. Хороший пример – Джубей из “Манускрипт ниндзя”.
Все отступления от этих правил только делают персонажа менее добрым. Например, добрый волшебник всегда выглядит фальшиво: он вроде бы и добрый, но что-то в нём не то.
Сочиняя стрипы, имейте в виду, что когда вы понесёте их в журнал для публикации, там отберут 1-2 самых удачных из десяти. И в этом есть разумное зерно: благодаря лучшим, ваш сериал станет известен и популярен, а уже тогда можно будет альбом издать, добив его менее удачным материалом. Так что, ваша цель – количество, а контроль качества предоставьте издателю.
Шаг 4. Длинный сюжет
В длинном сюжете всё тоже самое, только необходимо придумать следующие вещи: завязку, развитие и развязку.
Развитие составляется из ситуаций, которые намеренно разрешаются в точку, отличную от равновесия: Карл поймал Клару, а в результате Клара не только снова сбежала, но и украла у Карла кларнет, зато теперь Карл узнал о существовании Ганса, и ему ничего не остается, как встретиться с ним.
Если комикс, который вы создаёте, планируется издавать в виде сериала частями по 32/48/64 страницы, то действие лучше разделить на относительно законченные части, так чтобы взяв в руки, например, третий выпуск человек мог прочитать историю и не испытал бы ощущения, что случайно посмотрел кусочек Санта-Барбары между рекламными блоками.
Плюс, не самую интересную историю можно оживить, рассказав её от какого-нибудь третьего лица или в виде воспоминаний нескольких участников событий. Хороший пример – фильм ужасов типа “Пятницы, 13-е”. Представьте, в какое занудство превратилась бы эта история, если бы её рассказали от лица самого маньяка-убийцы: “украл, выпил, в тюрьму”, что называется.
В случае с несколькими линиями повествования с помощью этого приёма создаётся эффект “заплетания косы”: здесь ситуация разрешилась, а в двух других местах ещё торчат хвосты. Читатель об этом успел чуть-чуть забыть, но подсознание заставляет его ждать разрешения ситуации, то есть, удержав его внимание чем-то и переключившись, можно рассказать ему что-то не столь захватывающее, но нужное по сюжету или поучительное.
Не забудьте, про возраст аудитории. Если вы создаете историю для людей 15 лет, то интересна этой аудитории она будет, если вы будете рассказывать её, ориентируясь на чуть более старшую возрастную группу, например, 18-летним. Это не значит, что среди читателей не будет 70-летних дедушек, но основную массу аудитории они не составят. Поэтому, если вам 20 лет, приготовьтесь к тому, что история ваша вызовет наибольший интерес у людей младше вас. Это важно учитывать в издательском бизнесе: у вашей аудитории может не оказаться столько денег, сколько уже есть у тех, кто немного постарше. А если вы ориентируетесь на самых маленьких, то решение, покупать ваш комикс ребенку или нет, будут принимать родители.
Чтобы не оставаться голословным, проиллюстрирую вышеизложенное на собственном примере. Мне захотелось нарисовать комикс. Давно ничего не рисовал, и понял, что был не прав. Что же нарисовать-то? Была у меня одна старая идея, точнее три персонажа и пара ситуаций, было желание сделать что-нибудь кибер-панковое с детективным сюжетом. Пересмотрел Blade Runner и Metropolis, вдохновился и начал ваять. То есть, поскольку какой-то нравоучительной мысли в голове не было, решил просто развлечь публику.
Галактических гадов и супер-героев мне было придумывать лень, поэтому я придумал интригующее начало и стал развивать сюжет, стараясь, чтобы было хоть немного забавно. Получилась сага в духе “Завтрака для чемпионов” или “Сирен Титана” Курта Воннегута, и за двое суток я написал примерно восемьдесят процентов этой истории.
Мне тогда казалось, что это только половина, потому что сюжет развивался так, что скоро все персонажи окажутся на борту одного космического корабля. То есть потом они куда-то полетят, чтобы распутать главную тайну, которую я, конечно, всё это время старался только запутать: менял термины с говорящих на менее говорящие, разделял между героями сведения, которыми они владели, сводил нехороших парней вместе, объединяя их интересы против хороших, мешал хорошим на их продвижении к главной тайне и т.д. Всё это выливалось в лёгкую правку диалогов и перестановку сюжетных блоков, между которыми происходило переключение.
На хронологическую последовательность я не обращал внимания, подчинив её логике повествования: например, у одних персонажей прошёл день, у других не было никакой паузы, а у третьих прошло пятнадцать минут. На самом деле это внесло в действие лёгкий сумбур, который, при том, что я старался выдерживать минимум три сюжетных линии, пошёл истории только на пользу. То есть, если сложить каждую сюжетную линию в единое целое, то скорее всего получилось бы скучновато, а так – сам уже не помнил каких-то эпизодов и смешных фраз, смеясь над ними, когда натыкался при поиске какого-нибудь эпизода.
Сразу скажу, что выдерживать три сюжетные линии сложно. При том, что все они медленно, но верно сводятся в одну, приходилось немножко подумать, не ввести ли какого-нибудь ещё персонажа, и куда его потом девать. Четыре линии – это уже многовато, читатель может просто запутаться. Так, вводя новых персонажей, я обзавёлся героем, которого с некоторой натяжкой можно назвать положительным, парой героев, которых можно назвать подонками, а один из героев стал главным гадом. Ещё один момент, касающийся времени в повествовании, на который я обратил внимание: переключение нужно производить и в том случае, если нужна небольшая пауза между событиями. Можно просто сделать: “На следующий день. ”, но более органично получается, когда делаешь паузу в этой сюжетной линий.
Когда вдохновение иссякало, я отвлекался на что-нибудь почитать, посмотреть фильм или телевизор: например, прочитал про чёрные дыры в нескольких книжках по астрофизике и в учебнике астрономии, пол-книжки об истории вечных двигателей, посмотрел какую-то мелодраму и прочитал главу из Достоевского о великом инквизиторе. Всё это снабдило мозг пищей для размышлений и идеями, родившимися в несогласии с какими-то утверждениями авторов.
Так, потихоньку, к концу недели я пришёл к выводу, что совместный полёт моих персонажей будет не дольше, чем перелёт “Тысячелетного Сокола” через гиперпространство к Альдераану, дальше последует пара финальных сцен, открывающих тайну, разборка с некоторыми из гадов и финал в духе гоголевского “Ревизора”.
На эти финальные сцены у меня ушла ещё неделя: заключительная сцена писалась и вовсе дня три. Прикинул общий объём, получилось от 120 до 140 страниц комикса, что, собственно, и требовалось. Отрывки из предыстории цивилизации (действие происходит как бы в будущем) я разбросал по сюжету в виде небольших вставок по 2-3 страницы. Каких-то описаний места действия в виде длинных абзацев текста намеренно старался избегать, предоставляя воображению читателя самому дорисовывать подробности, при необходимости вкладывал нужные фразы в диалоги персонажей. В этом плане и Blade Runner, и Metropolis – достойные образцы для того, чтобы поучиться создавать общую картину из мелких деталей.
Опять-таки, отсутствие главного злодея в самом начале сработало на руку: сюжет начинается как бы с середины событий и заканчивается не в конце, хоть и с эпичной картиной в финале. В общем, так, практически из ничего, чего-то родилось.
Ошибки начинающих сценаристов комиксов
С недавнего времени почти в каждом крупном городе России есть специализированный магазин комиксов. Еще они продаются в книжных сетях, включая онлайн-магазины. Я очень рад, что этот вид искусства активно развивается в нашей стране. Пока, правда, большая часть рынка комиксов — это переводные издания, а качество отечественных работ не всегда высокого уровня. Именно поэтому так важно сценаристам комиксов избегать самых простых ошибок, которые обычно делают начинающие.
Как писать сценарий комикса
Первое, что нужно сделать, это понять, что комикс — самостоятельный вид искусства, а значит, у него есть свои особенности. Комикс имеет одновременно черты и литературы, и кинематографа, но при этом не является ни тем, ни другим. Следовательно, нельзя писать сценарий для комикса как прозу, и нельзя — как киносценарий. Он должен быть другим.
По поводу того, что для прозы и сценария используются разные языки, мы недавно публиковали статью (Чем сценарий отличается от прозы). В этом плане сценарий комикса ближе к киносценарию, но все равно имеет отличия. Дело в том, что в киносценарии действует железное правило: «Не рассказывать, а показывать». В комиксе же можно делать и то, и другое.
Кадр из комикса «Черновик. Четвертая дверь» от издательства «Белый единорог»
Информацию в комиксе можно передавать тремя способами:
– изображая то, что делают персонажи;
– вкладывая информацию в диалоги персонажей;
– добавляя текст авторского повествования.
Сценарист комикса может и показывать то, что делают герои, как киносценарист, и одновременно описывать то, что они думают и чувствуют, как писатель. Но за такие огромные возможности приходится платить ограничениями. Если их не знать, то можно все испортить.
Как испортить комикс
Способов для этого существует огромное количество, я лишь перечислю те из них, которые использовал сам или мои знакомые. Причем не всегда нам удавалось испортить комикс безвозвратно, но мы очень старались 🙂
Написать длинные монологи
В отличие от кино, где персонажи могут произносить монологи на несколько минут, и прозы, где герои могут вообще говорить целыми страницами, в комиксе для этого просто нет места. Физически.
На страницу помещается определенное количество кадров, а каждый кадр имеет строго определенный размер. Следовательно туда поместится или большое изображение и маленький текст, или маленькое изображение и большой текст.
Кадр из комикса «Тинтин в стране черного золота»
Длинные монологи в комиксе неуместны, лучше их вообще не допускать, но если иначе никак, то приходится монолог разбивать на несколько частей и помещать его в разные кадры.
Описываем изображение
Возможность использования в комиксе одновременно и изображения, и описания может сыграть со сценаристом злую шутку. Если писательское начало возьмет верх, то сценарист может вставить поместить в кадр описание, которое будет по смыслу дублировать изображение.
Кадр из комикса «Черновик. Четвертая дверь» от издательства «Белый единорог»
Вот кадр, понятный без слов. А теперь представьте, что на нем будет помещен текст: «Я проснулся на мягком диване от того, что солнце светило через окно на стену. Я сладко потянулся». Кто-то может сказать, что пояснение лишним не бывает, а я же отвечу, что это логическое дублирование информации. Вместо того, что и так понятно из рисунка, автор мог рассказать что-то более важное. Например, дать описание внутреннего мира героя или описать события, происходившие за то время, пока он спал.
Вставляем как можно больше деталей
Комикс — уникальный вид искусства, он позволяет рассказывать истории, для прочтения которых нужно задействовать внимательность читателя. Например, автор может поместить в кадр деталь, однозначно указывающую на личность убийцы, но не акцентировать на этом внимание. Внимательный читатель разглядит ее и сможет сделать выводы сам, без помощи автора.
Но увлекшись такими играми, сценарист комиксов может указать в сценарии столько деталей, которые просто не поместятся в кадр (о том, что место в комиксе строго ограничено, я уже писал выше). Например, я сам на заре своей сценарной карьеры описал один кадр, в котором на фоне красивых льдов, в некоем большом летательном аппарате в полный рост стоят персонажи, а один из них держит в руках игровую приставку и играет в строго определенную узнаваемую игру.
Кадр из комикса «DreadCore» от издательства «42»
На первый взгляд, в этом описании нет ничего плохого, такой кадр вполне можно нарисовать, только вот занимать он будет целую страницу, а в моем сценарии ему отводилась лишь малая ее часть. Это, как вы уже догадались, кадр в нижнем левом углу.
Лезем на сторону художника
Сценарист комиксов нередко представляет себе, как будет выглядеть тот или иной кадр. И это правильно. Он должен развивать художественное видение, хотя бы для того, чтобы не допускать ошибки, описанной в предыдущем параграфе. Но увлекаться этим не стоит. Потому что у художника визуальное чутье все равно лучше вашего. Потому не нужно описывать подробно ракурсы, позы персонажей, цвета и так далее.
Сценарист может и должен предлагать вариант визуального решения, но последнее слово все равно остается за художником. Единственный случай, в котором нужно настаивать на своем, — когда описываемые детали важны для сюжета.
Описываем несколько действий в одном кадре
Вот пример описания одного из кадров комикса.
Он и она сидят напротив друг друга за столиком кафе. Он ослабляет галстук, лезет в карман брюк и протягивает ей коробочку с кольцом, она восхищенно смотрит на сверкающий бриллиант.
Для киносценариста вполне обычное описание. Только вот для комикса — оно катастрофическое. Сценаристу комиксов нужно постоянно держать в голове, что описывать нужно статичные изображения, а тут сразу три действия вместо одного. Сначала нужно показать, как герой ослабляет галстук, потом — как лезет в карман брюк, и только потом — как протягивает коробочку с кольцом. Можно еще сделать четвертый кадр, когда он эту коробочку открывает, и пятый, когда она восхищенно на это кольцо смотрит.
Требуем невозможного
И последнее, что может сделать сценарист комикса, — попросить художника нарисовать то, что нарисовать невозможно. Причем для этого не нужно напрягать фантазию, все происходит само собой. Например, так:
Попробуйте себе представить это изображение и сразу поймете, что тут не так. Такое описание подразумевает, что обоих персонажей нужно рисовать в фас, но при этом они должны стоять напротив друг друга.
Делайте свои ошибки
Всех ошибок не избежать — они неисчерпаемы. Но я прошу вас делать свои ошибки и не повторять моих. А потом рассказать мне, чтобы и я не повторял ваших. Так мы вместе сделаем русские комиксы лучше.