Поиск ответа
| Вопрос № 291749 |
Как быть со знаками препинания в выражении «старик художник самоучка»? Спасибо.
Ответ справочной службы русского языка
Пунктуация будет зависеть от контекста, например: Старик – художник- самоучка. Старик-художник – самоучка. В студию вошел с тарик – художник- самоучка. В студию вошел с тарик- художник, с амоучка.
Ответ справочной службы русского языка
Тире может не ставиться, если в письменной речи отражено произношение с логическим ударением на сказуемом. Здесь логическое ударение падает именно на сказуемое колорист. Однако постановка тире также не будет ошибкой.
Скажите, пожалуйста, художник- реалист или художник реалист?
Спасибо.
Ответ справочной службы русского языка
Верно дефисное написание: художник- реалист.
что такое приложения, обособленные приложения
Ответ справочной службы русского языка
Ответ справочной службы русского языка
Второй раз задаю вопрос: В ответе на вопрос № 206570 Справка писала: Корректно: мама-утка, папа-ёж, дедушка-кабан, малыш зайчонок, крошка фея, паренек-бурундучок, художник- кузнечик. Ранее, на вопрос № 198591 Справка писала, чтот бродяга-кот,тихоня-сом корректно без дефиса. Мне кажется, что в сочетаниях № 206570 (мама утка, папа ёж и пр.) сначала более общий признак, а потом конкретное уточнение (так же, как и в № 198591). Например, мама может быть и утка, и человек, а второе слово утка конкретное. Поэтому я считаю корректным написание без дефиса ВСЕХ пар слов вопроса 206570. А вот наоборот (напр. утка-мама) действительно через дефис. Правильно ли моё предположение?
Ответ справочной службы русского языка
В ответе на вопрос № 206570 Справка писала: Корректно: мама-утка, папа-ёж, дедушка-кабан, малыш зайчонок, крошка фея, паренек-бурундучок, художник- кузнечик. Ранее, на вопрос № 198591 Справка писала, чтот бродяга-кот,тихоня-сом корректно без дефиса. Мне кажется, что в сочетаниях № 206570 (мама утка, папа ёж и пр.) сначала более общий признак, а потом конкретное уточнение (так же, как и в № 198591). Например, мама может быть и утка, и человек, а второе слово утка конкретное. Поэтому я считаю корректным написание без дефиса ВСЕХ пар слов вопроса 206570. А вот наоборот (напр. утка-мама) действительно через дефис. Правильно ли моё предположение?
Ответ справочной службы русского языка
В случаях _бродяга кот, тихоня сом_ (как и _малыш зайчонок, крошка фея_) предшествующее однословное приложение может быть по значению приравнено к определению-прилагательному (ср.: _бродячий кот, тихий сом, маленький зайчонок, крошечная фея_). В примерах _мама-утка_ и др. этого сделать нельзя. Родо-видовых отношений между определяемым словом и приложением в этих примерах тоже нет. Поэтому корректно написание через дефис.
Как правильно написать художники они такие
Как научиться читать язык картин и стать ценителем живописи
Кто они такие — любители живописи
Бывая на художественных выставках, многие из нас видели людей, застывших, будто в ожидании, перед какой-нибудь картиной. С первого взгляда это кажется смешным. Что, действительно, можно так долго разглядывать? И вообще, как говорится в известном анекдоте, зачем смотреть на то, как люди « в древности» без « Полароида» мучились? Да, темп жизни постоянно возрастает, и люди, для того чтобы успеть за временем, все больше становятся прагматиками, оценивающими все, что их окружает, с точки зрения вложений и прибыли. Конечно, любуясь картиной, никакой материальной выгоды Вы не получите. Однако если внимательно приглядеться, можно заметить поразительную связь между зрителями и самой картиной: их лица озаряются идущим от полотна неведомым светом, как будто они попадают под действие загадочной ауры картины.
Живопись — это особый мир, дверь в который всегда открыта, но войти туда может не каждый. Знания, которые несут картины, это не та информация, к которой мы все привыкли, не те сведения, которые мы получаем в школе, и не тот поток фактических данных, который обрушивается на нас каждый день из средств массовой информации. Это духовные знания. Осознание их приходит постепенно — по мере того, как зритель, шаг за шагом, обретает готовность приобщиться к духовному опыту. Поэтому выдвинутый когда-то большевиками лозунг: «Искусство — в массы» в корне неверен. Искусство ничего не может дать массам, если массы не готовы дать искусству что-то взамен. И в этом смысле искусство — элитарно. Однако оно не закрыто для пытливых и страждущих, и всегда готово встретить вновь прибывшего, чтобы, взяв его тихонечко за руку, провести затем по тропе познания в мир простых истин. Нельзя сказать об этом лучше, чем когда-то сказал Ю. Визбор о мире музыки: «Какая музыка была, какая музыка звучала. Она совсем не поучала, а лишь тихонечко звала. Звала добро считать добром, и хлеб считать благодеяньем, страданье вылечить страданьем, а душу греть вином или огнем.».
Как художник воплощает в картине свои идеи
Глаза нас частенько подводят. Вот и в живописи изображенное на картине далеко не всегда равнозначно тому, что хотел сказать автор. Да, любителям телевизионных программ, обожающим смотреть красивые картинки, лежа на диване, это не понравится. Прибегая к использованию техники живописи, художник передает свои мысли и чувства через некий информационный код.
Во-первых, автор ( будь то автор художественного произведения или какого-либо еще) всегда выступает « заложником» своего времени. Поэтому идея картины обязательно имеет « привязку» к исторической эпохе, в которой творил художник. Так, например, в средневековой живописи изображение человеческого тела и всего, что с ним связано, считалось греховным. Поэтому неподготовленный человек, глядя на эти полотна в свете сегодняшних представлений, решит, что это какой-то « детский рисунок» и, не затронутый увиденным, пройдет мимо.
Во-вторых, — это код самого послания автора. Формулируя свою идею, художник старается излагать ее на языке живописи, пользуясь законами изобразительного искусства, главным из которых является закон композиции. Кроме языка законов построения изображения, у живописи есть еще и другой язык. Со Средних веков — когда живопись тяготела к иносказательной интерпретации предметов — в изобразительном искусстве выработался язык символов, используя который автор мог уложить свою идею в строгие рамки разрешенных сюжетов. Этот язык получил свое дальнейшее развитие в 17−18 веках, когда для создания картин часто использовались сцены из древних мифов.
В-третьих, сознательный выбор разнообразных художественных приемов формирует у художника неповторимый « почерк», зная который, легко можно установить авторство неизвестных произведений.
Зачем же нужны все эти « коды», неужели нельзя просто взять и нарисовать то, что больше всего понравилось, чтобы все поняли, как это действительно красиво. К сожалению, наука пока не может ответить на этот вопрос. Дело в том, что эта проблема напрямую связана с проблемой происхождения языка. Мы не знаем, почему люди постепенно перешли на условный язык общения, отказавшись от языка жестов и животных криков. Можно только предположить, что это было как-то связано с развитием культуры. И хотя дух реализма в современной культуре, как видно, возобладал, мне кажется, что, так или иначе, авторы реалистичных картин всегда переходят на язык « тайнописи» или же уходят в примитивизм.
Основные законы живописи
Можно облегчить себе восприятие картины, обратившись к основным законам живописи, посредством которых художник общается с нами, переводя на холст свои мысли и чувства. Главный закон живописи — создание правильной композиции, уравновешение различных частей картины. Основная функция композиции — привлечение внимания зрителей к главному объекту, передача игрой форм, линий и красок определенного душевного настроя.
Так, например, строгие прямые линии хорошо передают вес и объем, придают формам законченность и совершенство, рождают ощущение гармонии, душевного спокойствия. Совершенство форм подразумевает использование чистых насыщенных цветов. Картина становится « звучной». Так, например, очень « звучные» картины у Н.Рериха. Хорошо знали этот прием иконописцы; прекрасно удавалось передать « звучание» красок Феофану Греку.
Напротив, изогнутые линии рождают в душе ощущение движения, изменчивости. Так, например, петляющая дорога в голубой дымке на заднем плане картины Леонардо да Винчи « Мона Лиза» создает ощущение зыбкости, мимолетности, легкой невесомости самого портрета. Очень часто художники использовали задний план для того, чтобы подчеркнуть умонастроение персонажа картины и сообщить зрителю определенную эмоцию. Распространен был подобный прием в написании парадных портретов.
Далее, у картины всегда есть точка зрения — то положение, с которого автор показывает нам объект. Она напрямую связана с законами построения перспективы, т.к. является точкой схода параллельных линий изображенных предметов. Существует несколько видов перспективы. Наиболее распространенные — это обычная прямая перспектива ( с точкой схода, расположенной за объектом), показывающая уменьшение размеров предметов по мере удаления от глаз наблюдателя, и обратная перспектива ( точка схода находится впереди объекта), предметы в которой по мере удаления от наблюдателя увеличиваются. В иконописи художники часто прибегали к использованию обратной перспективы для того, чтобы подобным образом воплотить идею о приближении далеких идеалов. Точка схода позволяет художникам, как бы играя пространством, привлекать внимание зрителя к наиболее значащим объектам и планам картины. Например, в картине Леонардо да Винчи « Тайная вечеря», мы легко можем определить композиционный центр, благодаря точке схода перспективы изображения, расположенной сразу за Христом.
Большое значение в восприятии картины имеет линия горизонта. Линия горизонта позволяет передавать масштаб изображаемых событий в соответствии с умозрительным восприятием художника. Например, линия горизонта, расположенная в нижней части картины, может рождать ощущение причастности к действию, тогда как, напротив, находясь в верхней части полотна, она заставляет нас оценивать изображенное на картине с «высоты птичьего полета».
Кроме гармонии линий и форм в картине еще должна присутствовать гармония света и цвета. Световые пятна применяются для придания картине эмоционального напряжения, перерастающего в определенный мысленный настрой. Действие этого эффекта объясняется концентрацией внимания зрителей на наиболее важных, значимых деталях картины. Прекрасно умели работать со светом Тициан, Рембрандт, К. Брюллов, И.Куинджи. Например, на картине И. Куинджи « Лунная ночь на Днепре» мы видим только два ярких световых пятна посреди непроглядной ночи — луну и узкую полоску воды под ней. Такой световой контраст рождает в душе чувство спокойствия и умиротворения. Подобные световые контрасты широко используются и в портретах. Прекрасный пример тому — «Портрет мужчины в красном» кисти Рембрандта или « Достоевского» В. Перова. В них световые акценты на лице и на кистях рук рождают ощущение погруженности в размышления, внутренней силы персонажа.
Цветопередача картины преследует ту же цель, что и световые акценты, — привлекать внимание зрителя к наиболее значимым деталям произведения. Контраст цветов руководит избирательностью восприятия. В первую очередь взгляд выхватывает наиболее яркие цвета картины, а затем невольно переходит на фрагменты, контрастирующие этому цвету. Если внимательно посмотреть на картину, можно заметить, что цветовые контрасты располагаются вокруг композиционного центра, таким образом, создавая на нем дополнительный акцент. Кроме этого, они рождают ощущение внутреннего движения, картина как бы оживает, перестает быть статичной.
Композиционные законы живописи являются хорошей иллюстрацией закона диалектики о борьбе и единстве противоположностей. Вся композиция картины строится на единстве и контрасте объекта и фона, линий и форм, света и цвета. Объединяя эти разные элементы, противопоставляя их другим группам композиции, автор делает картину более емкой и многозначной.
Зорко одно лишь сердце
Картина — это книга, но не старайтесь сразу найти в ней последний лист с содержанием. Картина — это та же пещера Али-Бабы, откуда можно взять лишь столько золота, сколько можно унести за один раз. Но к картине можно всегда вернуться, когда духовные силы вновь потребуют насыщения. Ведь даже приходя на выставку в разном настроении, можно получить разное восприятие картины.
Одну и ту же картину люди могут воспринимать по-разному. Достаточно только вспомнить неутихающие дискуссии на тему « Моны Лизы», чтобы понять это. Одной из восхитительных особенностей живописи является то, что она способна породить бесчисленное число многослойных реакций восприятия, и, одновременно, выявить « общий знаменатель», — тот важный смысл, заложенный в основу картины, — который понимают и видят все.
Живопись всегда будет напоминать нам о том, что, как говорил Лис в романе А. Сент-Экзюпри « Маленький принц»: «…зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». И, может, действительно, только благодаря искусству, в один прекрасный момент мир будет спасен.
Картину «пишут» или «рисуют» — как правильно?
Картины ПИШУТ. Но есть и те художники, которые РИСУЮТ. Разбираемся в особенностях изобразительного искусства и русского языка.
Каждая профессия имеет свои нюансы и тонкости. В том числе, и в правильности написания терминов, произношении и понятий некоторых слов.
Если вы художник, или довольно много интересуетесь изобразительным искусством, то наверняка не раз слышали спор о том, что, художник пишет или рисует. Так как же все-таки будет правильно? Давайте разбираться вместе!
Историческая справка
Если мы обратимся к словарям, то увидим, что слово «рисовать» появилось в русском языке в начале XVIII века, и было заимствованно из языков Западной Европы. До этого использовались такие слова, как «чертить», «царапать», «вырезать». Рисование значило передавать изображение на плоскости пером, углем, карандашом.
Слово же «писать» более старое, оно известно еще с XI века. Но значение его было приближенно к современному – изображать красками. Достаточно вспомнить, что предтечей живописи была иконопись. А ведь иконы писали как раз специальными красками, уделяя внимание деталям, использовали различные поверхности, например, дерево, не бумагу.
Почему картины пишут? Как правильно?
Само слово живопись, а также живописец, имеют в своем корне производное от слова письмо.
Художники, которые работают с краской, создают свои картины при помощи живописи, то есть, живописного письма.
Если же мы говорим о других, графических материалах, таких как карандаш, уголь, тушь, то тут уже применимо понятие рисовать, а не писать, так как этими материалами рисуют!
Соответственно, все, что будет касаться работы с бумагой и графическими материалами – это рисование и художники рисуют, а то, что связано с красками и холстами – живопись, художники пишут.
Как быть с акварелью и пастелью?
У вас может возникнуть вопрос по поводу еще нескольких материалов, о которых мы не говорили.
Например, акварель. Этой краской художники работают на бумаге, но произносят все равно «писать акварелью». Как быть в таком случае? Точно так же, как и в случае с маслом, акрилом и другими красками. Акварель – это акварельная живопись. И при употреблении этого понятия нужно говорить писать акварелью, а не рисовать. Исключением может служить употребление в контексте детского творчества. Например, ребенок взял акварельные краски, чтобы порисовать. Дети рисуют акварелью. Профессиональные же художники пишут акварелью.
В случае с пастелью все еще проще. Можно говорить и так, и так. Можно употребить выражение «я нарисовала пейзаж пастелью» или «я написала портрет пастелью». Ошибки в этом не будет.
Да, если вы говорите о графических работах, то лучше называть их не картинами, а рисунками, работами, так как картина, это все-таки изображение на холсте в красках, а не на бумаге.
Портрет пишут или рисуют? Как правильно сказать
В живописи цвет – главное изобразительное средство выразительности, а в графике – линии, штрихи и так далее.
Исходя из этого, и всего вышесказанного, если ваш портрет выполнен карандашом – то вы нарисовали портрет, если красками – написали портрет.
Такие вот тонкости и особенности в нашем с вами языке. Но, к слову, если вы возьмете любой другой язык, там будут свои особенности и их тоже нужно учитывать, например, если вы читаете или учитесь по зарубежным книгам, курсам, мастер-классам.
Пишите в комментариях к этой статье, какие еще у вас сложности с понятиями в живописи, будем разбирать их вместе!
Картины пишут или рисуют? Давайте разберемся
У многих людей возникает вопрос: картины пишут или рисуют? Художники неодобрительно относятся к людям, которые не видят разницы между этими понятиями. Чтобы случайно не оскорбить человека, нужно разобраться в этом вопросе.
Откуда пошла разница понятий
Чтобы узнать, художник пишет или рисует картину, нужно понять этимологию этих слов. Слово rysunek имеет греческое происхождение. В России его впервые стали употреблять при Петре I. Как известно, русский царь был новатором, и в Европе получил знания не только в области кораблестроения, но и в области искусства. Именно при нем впервые стали использовать термин рисовать. Правда, в то время он употреблялся, как синоним слова чертить. Ведь это и есть точный перевод термина рисунок.
Слово «писать» имеет древнерусское происхождение. Именно этим термином обозначалось творчество художника. В качестве синонимов употреблялось слово «пестрый». Из этого можно сделать вывод, что понятие писать было неразрывно связано с живописью. Именно оно употреблялось для обозначения деятельности художника, который изготавливал фрески и иконы.
Так что же, картины пишут или рисуют? Из вышесказанного можно понять, что именно пишут. Но много непросвещенных людей все еще не видят разницы.
Почему картины пишут?
А что же тогда рисуют
Но ведь сегодня можно увидеть много шедевров, которые изображены карандашом. А эти картины пишут или рисуют? Рисуют. Даже несмотря на то, что они являются цельными творческими произведениями, а не канвой для живописного полотна. Это устоявшееся понятие сегодня нужно для разграничения деятельности художника.
Почему дети рисуют, даже если используют краски?
Как быть с произведениями, нарисованными в смешанной технике?
Почему картины пишут, а не рисуют, мы разобрались, теперь вы больше не будете путаться в понятиях и терминологии.
В великое время мы живем, друзья мои! Эпоха интернета позволяет все: можно виртуально посетить самые интересные музеи мира, полюбоваться известными картинами знаменитых художников. На ютубе множество видео на тему разных выставок и встреч художников из разных арт- сообществ. Здорово, одним словом, особенно, если вы и сами хотите быть среди них!
Если вы художник-любитель, начавший свой творческий путь во взрослом возрасте, то скорее всего, встречались с такими мнениями, что никогда не сможете встать на высокую ступень успеха, как профессионал с дипломом. К тому же есть стереотип, что когда художник говорит, что он любитель, многие про себя отмечают: «а, так он не профи… дилетант….», даже если вслух из вежливости не говорят.
Друзья художники любители, предлагаю поразмышлять, кто есть кто, и кто по человеческим меркам имеет право называться профессионалом) Тема щепетильная, требует тактичного отношения, но, поверьте, очень важная для многих художников без художественного образования! Многие любители живописи хотят знать, имеют ли они право называться художниками и могут ли быть профессионалами.
Качества с точки зрения общечеловеческих ценностей:
3. Любитель относится к живописи как к приятному хобби, к свежей отдушине, а средства к существованию он зарабатывает на другом поприще. В отличие от профессионала, у которого довольно часто множество заказов, планы, сроки и творчество со временем превращается в рутинную работу. Звучит уныло, не правда ли?
4. А еще каждый художник-любитель надеется, что он еще не достиг своего пика развития, поскольку постоянно учится и развивается. Есть куда рости, как говорится… А это дает еще больший стимул, потому что большой успех-то еще впереди! Такие любители эффективнее рисуют, так как хотят достичь все творческие цели!
Так выглядит художник-любитель с точки зрения общечеловеческих ценностей. Но иногда в социальных сетях я читаю совершенно противоположное мнение, дескать, если не учился рисовать, не обладаешь классическими знаниями о живописи, не рисуй совсем, не производи посредственную живопись.
Художник-любитель с точки зрения профессионала часто выглядит как дилетант, совершенный «чайник», выдающий смешные картины, не знающий о перспективе и колористике, а иногда еще и зарабатывающий на своей живописи деньги. Да…бывает очень неприятно читать такого содержания комментарии, хотя конечно же, каждый имеет право на свое личное мнение.
Вот еще важный момент… к сожалению не все профессиональные художники работают по специальности, а значит, уровень практики может быть низкий. Нет, конечно же он не забудет, как рисовать, но есть теория, а есть многочасовая практика, область квалификации в изобразительном искусстве. Скажите, можно ли его назвать художника профессионалом, если он не рисует вот уже 7-10 и более лет? Многие художники любители подчас имеют больше практики в живописи, чем профессиональный художник. Есть ли смысл делить художников на профессионалов и любителей, и надо ли обращать внимание на конечный результат, на живопись, как вы считаете?
Для размышления: слово профессионал получилось от латинского profess- подтверждать квалификацию. Не от слова профессия, специальность, как мы привыкли думать, профи тот, кто подтверждает свое умение практикой. Все просто!
А вот грань между понятиями Художник-Самоучка и Художник-Любитель думаю, вообще сложно определить, размыта в понимании… Скорее всего, любитель посещает курсы по живописи и рисует под руководством профессионального художника. Как правило, у каждого преподавателя художника своя манера рисования, и он передает ее своим ученикам. А если учится у разных, то и границы живописного письма у любителей живописи расширяются.
А художник самоучка самостоятельно постигает искусство, виртуально учится, то бишь через интернет. Благо он дает возможность выбрать по душе мастер-классы любого направления в живописи и с учетом уровня подготовки новичка. Только здесь проанализировать, подсказать и подкорректировать вашу картину будет не кому, только путем собственного восприятия и самоанализа. Многие не согласятся, вот поэтому грани понимания формулировки все таки размыты. Друзья, пишите в комментария, а как видите вы этот вопрос….
А ведь интернет был не всегда, и раньше художники-самоучки/любители/ учились живописи, например, у природы. Удивительный яркий пример уникальной народной художницы – Екатерины Белокур. Простая украинская женщина, не имея не только художественного образования, но и школьного аттестата, самостоятельно научилась рисовать и сделала это занятие смыслом своей жизни. Свои картины, в основном цветы, она писала с натуры, приспособив для живописи самодельные кисти, изготовленные из волосков домашней кошки.
Пройдет немало лет, и картины наивной живописи Екатерины Белокур будут экспонироваться на различных выставках и даже поедут в Париж. Именно там их увидит мэтр живописи Пабло Пикассо и произнесет свои знаменитые слова: «Если бы у нас была художница такого уровня мастерства, мы бы заставили говорить о ней весь мир!» Согласитесь, друзья мои, это высшая степень признания!
Кстати, а вы задумывались когда-нибудь над вопросом: почему полезно учиться рисовать во взрослом возрасте? Начнем с того, что неважно, в каком возрасте захотелось заняться живописью, просто это никогда не поздно! Ведь обратите внимание, как много начинающих в возрасте 50+ и старше на открытых мастер-классах! Если вы не рисуете, но всегда хотели научиться, то задумайтесь, что вас остановило? Может вы найдете ответ в этой статье Как начать писать картины и перестать боятся: 8 заблуждений, блокирующих мозг
Обучение рисованию во взрослом и даже солидном возрасте:
А знаете ли вы, что знаменитая американская художница-самоучка Бабушка Мозес сделала первые шаги в живописи в 76 лет! И это было только начало! Анна Мозес со временем стала такой известной, что удостоилась государственной премии штата Нью-Йорк, в ее честь даже назвали кратер на Венере!
А художница за 20 с небольшим лет написала около 1600 рисунков и картин. Она умерла в возрасте 101 год, а работы Бабушки Мозес сейчас — большая ценность. Удивительно трогательная история о женщине с юной и творческой душой:)
Еще одна проблема художника-любителя — это живопись, как говорится у писателей «в стол», то есть боязнь заявить о себе миру и показать свои работы. И здесь опять же свои услуги предлагает интернет, где можно показать свое творчество, послушать оценку труда. Это очень здорово, когда можешь просто на своей страничке в соцсети сделать выставку работ и пообщаться с единомышленниками. Конечно, кроме достоинств, в этом есть свои минусы.
Анонимные не доброжелатели и злые комментаторы в интернете нещадно критикуют результат чужого труда, причем, чаще всего, слабо понимающие живопись. А ведь это сильно ранит самолюбие художников, тем более, что иммунитета на критику как у профессионалов, пока нет. Ну не успели еще наростить толстую кожу от злыдней. Вот тут и существует опасность, что начинающий художник может забросить живопись совсем…
Однако я думаю, что показывать свою живопись надо обязательно, иначе невозможно себя почувствовать художником, а также заметить прогресс развития творческих способностей. И к тому же не надо смущаться, что относитесь к категории художников—любителей. Это большая честь находится среди них. Задумайтесь, слово Любитель происходит от слова Любить, а не от «просто хобби от нечего делать»
Один мудрый человек, американский публицист Дэйв Барри сказал: «Не бойтесь делать то, чего не умеете. И помните, что простой, но надежный Ковчег построил любитель, а профессионалы построили корабль «Титаник» С юмором сказано, я знаю, но ведь и в каждой шутке есть доля правды:)
Мой вывод из всего сказанного, что художник – это не диплом и образование, это образ жизни! Художник – это когда человек не может жить иначе, как живописью, вкладывает свою душу в каждый мазок, в каждую картину! А вы как считаете?
Мое видео на десерт: О Натюрморте с Вином и Фруктами с Историей о разных винных бутылках
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества похожих, сохраните ее себе в закладках. Она всегда будет у вас под рукой в нужный момент
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы